Le film de Martin Provost a d'abord le grand mérite d'aborder un sujet inédit au cinéma: la vie et l'oeuvre de Séraphine Louis, dite de Senlis, peintre spontanée et inspirée par son amour de la nature et de Dieu (1914 - 1942). On dit qu'elle avait 42 ans quand une voix divine lui a ordonné de peindre.

Le film s'ouvre sur une séquence qui n'est pas loin de rappeler le film "Camille Claudel": dans un paysage nocturne, Séraphine, jusqu'aux genoux dans l'eau d'un ruisseau, cherche des plantes et de la boue pour ses composer ses pigments de couleur. Les cloches de l'église lui font laisser ce travail pour aller prier. Nous percevons donc les deux dimensions qui structurent son peu de temps libre: la nature et la religion. Dans l'autre film Camille cherche le matériel de sa sculpture dans la boue aussi, toujours de nuit. C'est le travail secret et ardu d'une femme passionnée par son art, ce qui la condamne aussi à la solitude.

Le directeur alterne entre les séquences en plein air, dans des champs ouverts ou dans un forêt foisonnante, lumineuse, protectrice, et les séquences d'intérieur, dans des chambres obscures qui évoquent des contraintes et un manque de liberté. Encore une fois, l'espace de la nature et celui de l'église libèrent l'artiste en elle. L'ambiance de l'époque est très fidèle, ainsi que le jeu des acteurs, retenu, mais expressif. Dans une première partie l'attente devient longue, mais c'est l'histoire d'une relation qui a mis du temps à mûrir. J'ai trouvé le film quelque peu maniériste, mais pas rigide pour autant.

Yolande Moreau est magnifique dans la grâce qu'elle prête à l'innocence et la générosité de cette artiste visionnaire. Ses yeux sont illuminés par le bonheur quand elle contemple les champs de l'hauteur d'un arbre ou quand elle se baigne nue dans la rivière, elle a la capacité de nous révéler toute la simplicité de Séraphine, qui dépensait ses quelques sous sur les matériaux de peinture qu'elle n'arrivait pas à se procurer par son ingéniosité. Après l'avoir vue dans son propre film doux-amer "Quand la mer monte" j'ai été ravie de la retrouver dans cette nouvelle hypostase.

Il est terrible de penser à tous les artistes méconnus au long de leur vie qui ont sombré dans la maladie, la folie, la mort, dans les pires conditions. Mais même si nous avons beau nous émerveiller devant leur oeuvre et leur destin aujourd'hui, comment traitons nous les déshérités de la sort? Connaissons nous leur histoire, avons nous envie de la connaître? Nous pouvons connaître Séraphine aujourd'hui grâce à Wilhelm Uhde, mais combien de gens comme elle ont été enterrés dans la fosse commune? Combien de personnes de talent, mais avec des problémes psychiques, sociales et financières, n'arrivent pas à partager leur don?

Une pointe de sadisme, une pincée de ridiculisation, deux grains de fatalisme, trois gouttes d'absurde, baignés de perversion...et la recette pourrait continuer encore. Les Brits sont fort en humour noir et dérision. Les Tiger Lillies sont un régal pour une admiratrice de Brecht et Tom Waits comme moi. La figure du clown tragique me semble un symbole de la condition humaine même. Le public varié vu mardi à l'Usine C témoignait aussi de leur qualité, des jeunes punk aux messieurs/dames d'apparence respectable.

D'abord les trois musiciens sont des virtuoses, tant côté musique que côté chant si on compte la voix invraisemblable de Martyn Jaques. Il joue admirablement de l'accordéon et du piano. Adrian Hughes frappe avec un professionalisme enragé ses instruments de percussion et Adrian Stout passe avec nonchalance de la contrebasse électrique à la scie et un autre instrument dont on joue sans le toucher (magie noire sans doute:) Les trois ont des incontestables véléités comiques.

Les textes sont tantôt tragiques, tantôt burlesques, inspirés des bas fonds où pullulent les prostituées, les maquereaux, les sadiques, les paranoïaques. J'ai ressenti un extraordinaire désespoir de la solitude transparaître à travers toutes les paroles. Ce sont des voix de gens qui ne savent pas comment être heureux, comment se rejouir de la vie et cherche dans l'excès une réponse introuvable, ce qui les rend encore plus affamés, plus assoifés de solutions finales.

Le résultat est une beauté étrange, qui me rappelle aussi les vers de Baudelaire - "Une charogne" entre autres, ou "Les chants de Maldoror".

D'un grand professionalisme les Tiger Lillies étaient dans le hall immédiatement après le show pour stimuler la vente de leur CD's par des autographes. J'avais déjà acheté "Births, Marriages And Deaths", un de leur premiers albums - un bijou.

Et même plus que ça, voir trop. Beaucoup de sensibilité et d'humour amer, beaucoup de grands acteurs, dans des petits rôles aussi, à un tel point que ça donne le vertige, on n'arrive à bien connaître et comprendre aucun des caractères et on perd le fil rouge de l'histoire . Parce qu'en fait il n'y a pas de fil rouge, sauf l'idée, point nouvelle, que la vie tout de même est belle et vaut la peine d'être vécue, surtout insouciant dans Paris, évidemment.

Dans tout ce fatras de destins et rencontres réussies ou ratées, les immigrants qu'on voit partout à Paris sont peut présents, sauf un épisode africain qui charge inutilement l'histoire comme pour rappeler: En Afrique c'est encore pire! Le cauchemar de François Cluzet n'a pas de sens non plus, si ce n'est pas un proteste contre la modernisation de Paris. La randonnée des filles chic aux Halles à la recherche d'hommes forts et sincères (les belles et les bêtes?) qui leur fassent l'amour parmi des morceaux de viande ou des fruits d'importation contraste par son absurdité avec le ton intimiste et la prétention de raconter des "tranches de vie". La séquence défilé de mode ne se justifie pas non plus, sauf si on pense qu'un film sur Paris doit absolument mentionner la mode aussi.

Belles séquences: la façon de Romain Duris de penduler entre la mélancolie et la joie; les danses intimes de Juliette Binoche et Fabrice Luchini; la boulangère pas mal raciste de Karine Viard.

Un film agréable mais pas mémorable...dommage.

Je suis étrangere au Canada et quand-même je ressemble plus à la majorité, dans mes habitudes et ma couleur de peau que les inuits qui étaient déjà ici quand les premiers colons sont arrivés. Pour eux je fais partie des "blancs", pour moi, ils sont des canadiens avant que le Canada existe. C'est une question d'identité que me fait beaucoup réfléchir. Et c'est la même question de ce film: qui suis je? qui sommes nous? comment sommes nous? Toujours prêts à rire si quelqu'un venu d'ailleurs ne sait pas employer la fourchette et le couteau? Est-ce que nous considérons avec plus de respect les inuits nés ici que les hindous, africains, chinois - immigrés et différents? La différence, est-ce le passeport ou la peau? La civilisation est-elle savoir manger et s'habiller "comme il faut" ou savoir respecter les autres et accepter que chaque culture a quelque chose à nous apprendre? Les années 50 ne sont pas si loin.

À part le jeu des acteurs j'ai beaucoup aimé les touches d'humour qui allégéaient le poids émotionnel, les elypses élégantes qui nous laissaient comprendre les faits (comme trouver Tiivii lors de sa fuite), le contraste de la claustrophobie qui émanait des chambres de l'hôpital et la liberté des grands champs enneigés...le magnifique usage de l'art de Natar Ungalaaq (qui est un sculpteur dans la vraie vie aussi), les relations humaines suggéres par des petits gestes, des phrases, de regards, rien de trop. Un film douloureux sans être dur, tout le contraire, il est tout en tendresse, en introspection, comme le monde intérieur de l'l'inuk isolé parmi "les blancs".  A mentionner aussi comme la première image est reprise au final, Tiivii est rentré, tout est pareil, mais il a changé.

PS À lire: "Sanaaq", un roman qui met en scène la vie dans le grand Nord telle-quelle, écrit par une femme inuk qui ne savait même pas ce que c'était un roman.