En 1922, Fritz Lang réalisait le premier des trois films qui mettraient en vedette son personnage mythique: Mabuse.  Les deux autres films sortiront plus tard soit "Le testament du Dr. Mabuse" en 1933 et "Le Diabolique Docteur Mabuse" en 1960 et qui sera d'ailleurs le dernier film de ce célèbre réalisateur avant son décès.

J'ai de la difficulté à associer ce film à un drame d'horreur, comme on l'indique ici.  Je parlerais plutôt d'un thriller ou, à la limite, d'un film fantastique, puisqu'il y a bien une petite part de surnaturel.  Mabuse est un criminel qui utilise ses pouvoirs d'hypnotiseur pour contrôler des personnes clés.  Ça commence par une magouille en bourse qui lui rapportera une fortune.  Mais, très rapidement, c'est au sein des cercles de joueurs de carte que Mabuse s'introduit.  Il ne joue pas nécessairement lui-même, mais il force certains joueurs à lancer les mauvaises mises.  Un policier tente de découvrir qui est l'homme derrière ces manigances.  Mais comme Mabuse agit toujours par hypnose, il est difficile de savoir qu'il est responsable de tout ça.  Les choses se corsent lorsque Mabuse se rendra responsable de la mort de gens.  Mais le policier est tenace!

Ce film de Lang est muet.  Cela a son importance, parce que ça explique très naturellement le jeu forcé des comédiens... à défaut d'entendre, il faut bien voir!  Alors vous aurez droit à tous les classiques, du genre la main de la femme sur le front alors qu'elle lance des regards desespérés vers le ciel.

Bien que le film, de nos jours, n'attirerait qu'un public averti, il faut saluer les efforts de ce réalisateur qui aura réussi à nous concocter un film intéressant, malgré les conditions limitées du moment, alors que l'Allemagne sortait tout juste de la première guerre.

Les effets sont nombreux et même s'ils nous semblent anodins aujourd'hui, ils ont certainement dû impressionner à l'époque.  Ainsi, vers la fin, Mabuse revoit les fantômes des personnes qu'il aura tuées.  Ces fantômes apparaissent puis disparaissent.  Il y a aussi ces ronds noirs autour du cadre de la scène qui se rapprochent en focusant sur l'un des personnages dans une foule.  On aura même droit à des explosions et quelques poursuites intéressantes.

Lang a le don de créer une atmosphère de tension avec peu de choses... que ce soit les éclairages, les jeux d'ombres ou même les cernes "accentués" sur les visages.  En ce sens, son film est une réussite sur toute la ligne.  Et c'est cette raison ainsi que le caractère très novateur au moment de sa sortie, qui me fait lui octroyer un 5*.  Mais préparez-vous!  La version intégrale fait plus de 4 heures!!!

Voilà un film qui m'aura beaucoup surpris... et que j'ai grandement apprécié.  Je m'attendais à un autre film d'aventure à la "1492: Conquest of Paradise".  Au lieu de cela, je me retrouve devant un film d'une beauté magistrale, et dont l'histoire est une suite de réflexions poétiques que se relaient cet anglais qui débarque en Virginie en 1600 et des poussières et qui tombera amoureux de la belle Pocahontas.

En ce sens, je suis très surpris de la cote plutôt faible qu'obtient ce film auprès des internautes (soit 2.97 au moment d'écrire ces lignes).  J'ai l'impression que les gens ont été déçus parce qu'ils ne s'attendaient pas du tout à ce genre de film...

... parce que pour apprécier cette histoire, il faut aimer les rythmes lents, l'explosion de paysages d'une très grande beauté, la douce poésie qui vient nous bercer et surtout, le jeu tout en nuances et en profondeurs de 3 merveilleux acteurs: Colin Farrell, Christian Bale et surtout, la très belle Q'Orianka Kilcher.

Oui, malgré tout, il y a des scènes de combats.  Mais elles ne sont pas vraiment sanguinolentes.  De plus, de nombreux commentateurs ont parlé avant moi, d'un ballet, plutôt que de combats.  Et j'abonde dans leur sens.  C'est présenté de très belle façon et la violence se transforme plutôt en chorégraphie réussie.

Je n'ai eu qu'une grande déception en écoutant ce film; c'est de l'avoir vu sur le tout petit écran de ma télé.  Pour le reste, si vous savez à quoi vous attendre, vous ne pourrez qu'adorer ce petit bijou de film.

Une erreur de réservation à la Grande bibliothèque m'avait fait voir la version de 1973 de ce film, dans lequel le mystérieux propriétaire de l'île de Summersisle n'était nul autre que Christopher Lee, qui était génial.  Corrigeant mon erreur, je me suis empressé de réserver et donc visionnerla nouvelle mouture de 2006.  Je peux dire que mon erreur m'a permis de mettre en perspective les deux films et d'apprécier encore plus le premier... et de détester le second.

Dans cette histoire, un policier débarque sur une île où une jeune fille, qu'il découvrira d'ailleurs être sa fille en cours de route, a disparu.  Très rapidement, il réalise que sur cette île, il se passe des choses peu catholiques, s'approchant de rites païens.  Il pressent même que la jeune fille est vivante et qu'on la destine à un sacrifice humain afin que les dieux redeviennent favorables, la récolte de légumes n'ayant pas été très bonne.

Les américains ont le don de souvent vouloir entourer l'essentiel du film d'une série d'aventures non pertinentes mais surtout pétaradantes.  Ainsi, alors que la version 1973 s'ouvre sur un policier qui débarque directement sur l'île, il faut que le personnage de Cage voit une fille et sa mère se faire frapper par un camion et il en rêvera tout le long du film.  Ceci ne fait que distraire le spectateur du véritable sujet.  Idem pour l'idée que la jeune disparue soit sa fille et qu'il trouve sur l'île son ex-femme.  Dans l'original, rien de tout cela.  L'essentiel est, pour le policier de découvrir ce qui se passe là... pas de nous embarquer dans des romances à l'eau de rose!

Autres changements avec la version initiale: elle était plus osée!  Ainsi, on voyait des jeunes femmes faire des danses, les seins nues... pensez-vous que les amerlocs puritains auraient laissé faire ça?? Idem pour la protection des animaux, alors que dans le premier film, de nombreux animaux étaient offerts en sacrifice en final.  Dans ce film-ci, on entend les animaux, mais leur présence dans la structure de bois n'est pas très visible.

Par chance, on a gardé la conclusion.  J'avais bien peur qu'Hollywood n'aille jusqu'à travestir la finale.  Autre différence toutefois: dans le premier film, le policier y allait d'une rhétorique sur la religion... pas Cage qui se contente de... mais vous verrez bien par vous-mêmes!

Le premier film, également appelé "The Wicker Man", était peut-être moins spectaculaire.  Pourtant, il offrait beaucoup plus de profondeur et d'intérêt que ce film-ci.  Préférez-le à la version 2006!

Voilà que je viens de lire le livre "Les Laboratoires Crête" que j'ai d'ailleurs commenté dans l'article concerné.  Et comme le livre incluait le DVD documentant le "making of" de cette expérience scientifico-théâtrale, j'en ai profité pour le visionner!

Stéphane Crête a tenté, au début des années 2000, de vérifier si des stimuli quelconques pouvaient influencer le jeu des acteurs.  Il  a concocté quatre "laboratoires" où, devant public, des acteurs déclamaient des textes sans stimulus puis avec les stimuli.  Ils devaient ensuite commenter l'impact des stimuli sur leur jeu.

Ces stimuli étaient de natures diverses.  Dans le laboratoire 1, ils suscitaient la douleur; dans le second, l'hypnose était utilisée.  Dans le troisième, ce sont les drogues diverses.  Dans la quatrième et dernier: les stimuli sexuels.

Le livre est très intéressant pour nous fournir les faits entourant les préparatifs, l'exécution et les conclusions de chaque laboratoire.  Le film, lui, a l'avantage de nous montrer les réactions des gens lors des préparations et des répétitions ainsi que lors du spectacle.  Si je n'avais vu que le livre, il m'aurait manqué un élément essentiel: les sentiments de tous.  On comprend très rapidement le sérieux de l'entreprise.  Oui, les acteurs ont, pour la plupart, tous été soumis aux divers stimuli.  Par contre, on comprend également très vite qu'ils ont apprécié cette expérience qui était très différente de tout ce qu'ils ont fait jusqu'à présent.

Évidemment, les quatre laboratoires auront demandé une disponibilité et une ouverture d'esprit immense aux acteurs qui, soit dit en passant, n'étaient pas nécessairement les mêmes d'un lab à l'autre.  Entre autres, les répétitions du laboratoire sur les drogues ou celui des stimuli sexuels étaient particulièrement exigeants et commandaient que chacun s'offre aux autres acteurs avec un minimum de pudeur.  Durant le spectacle devant public, cet état d'abandon était moins visible puisque les préparatifs se faisaient en arrière scène et que rien n'indiquait au public que les acteurs avaient réellement consommé les drogues qu'ils prétendaient avoir pris ou qu'ils avaient sur eux les objets sexuels décrits dans le lab no 4.

Le résultat est passionnant, amusant et surtout, la preuve qu'au Québec, on ose encore faire de l'art qui repousse les limites du connu.  C'est à voir sans réserve!

Bon!  Côté subtilité, on n'est pas au bon endroit, ici!  Par contre, après une difficile et longue journée de travail, c'est un excellent moyen de s'amuser un peu en parcourant cette BD, toute légère, et qui raconte les diverses perspectives qui entourent la rupture de couple vécue par une jeune femme: la réaction de la mère, des amis, les tentatives de reprendre ou de devenir copain copain, etc.

Malgré le dessin grossier et les couleurs un tantinet enfantines, j'ai eu l'occasion de sourire à plusieurs reprises, du genre d'humour qu'on nous présentait.  Ça n'est pas "Rubrique-À-Brac" de Gotlib... mais pas loin, du moins à la lecture de certaines planches.

Bref, c'est un bon petit divertissement honnête, en autant qu'on ne soit pas trop exigeant.

C'est par pure curiosité que je me suis attardé (tiens! Que ce mot est bien choisi!) à écouter ce film qui, en fait, n'offre absolument aucun intérêt!  Le dessin est celui des mangas que l'on retrouvait dans les années 70, sans véritable amélioration.  L'animation est saccadée et inacceptable au 21e siècle.  L'histoire véhicule de fortes valeurs environnementales (pas très subtiles, par ailleurs), et on peut s'en réjouir.  Mais au-delà de ça, l'histoire est surtout ciblée en fonction d'un public très jeune; les adultes n'y trouveront rien d'intéressant.  Les réactions des personnages sont enfantines et le résultat est une histoire assez assommante.

Dans le télé horaire, ce film était classé 6/7, ce qui l'approche du stade de "minable".  Je supporte tout à fait cette cote et je me dis qu'il y a tellement de bons films pour enfants, qu'il ne vaut vraiment pas la peine de perdre son temps avec celui-ci.

Titre français: "Pokémon 4 pour toujours"

Vous connaissez l'ATSA?  L'"Action Terroriste Socialement Acceptable"?  Ce sont eux qui installent, une fois par an, un camp au parc Émilie-Gamelin, au centre ville de Montréal où l'on nous présente l'État d'urgence qui permet de nourrir des itinérants, que ce soit grâce à du matériel de l'armée ou encore à la cuisine de grands chefs montréalais.  Ou peut-être vous souviendrez-vous de ces fausses contraventions qui furent distribuées aux conducteurs de véhicules polluants?  À moins que vous vous rappeliez de cette banque de bas installée illégalement près du Musée d'art contemporain, pour les moins nantis?

Pendant 10 ans, l'ATSA a laissé une trace essentielle au sein de la société québécoise et même canadienne, certaines actions ayant visé des villes telles que Toronto ou Calgary.  L'anniversaire de ces 10 ans, c'était l'occasion en or de publier une petite plaquette qui contient un rappel de chacune des actions menées par ce groupe qui veut mettre l'art au service du militantisme, qu'il soit de nature environnemental, gouvernemental ou social.  Bilingue, le livre contient également les textes de support d'une dizaine de personnalités de divers horizons, allant de Steven Guilbeault à Louis Hamelin en passant par Guy Sioui Durand.

Nous avons besoin de ces éveilleurs de consciences sociales que sont les membres de l'ATSA.  En ce sens, leur art engagé est essentiel et surtout, le gage d'une société saine et qui accepte la contestation "socialement acceptable".  Alors, pour tout savoir de cette organisation, feuilletez ce livre, disponible gratuitement... à la Grande bibliothèque.  Et, bien sûr, surveillez leurs prochaines actions.  Elles ne vous laisseront certainement pas indifférents!

Dans le télé horaire, ce film a une cote de 1 sur 7.  C'est rare, et ça indique un chef-d'œuvre.  Donc, en partant, c'est le genre de film que tout cinéphile digne de ce nom doit absolument voir.

L'histoire, elle-même, est plutôt simple.  Voilà un couple qui se marie.  Or l'homme travaille sur une péniche.  Il y amène sa nouvelle femme.  Mais bien vite, celle-ci se lasse de vivre ainsi cloisonnée avec son mari et deux membres d'équipage plutôt étranges.  Alors que la péniche atteint Paris, la femme quitte le bateau, pensant y apprécier la vie.  Or survivre dans la capitale française se révèle rapidement un cauchemar.  Pendant ce temps, le mari déprime.  C'est l'un des deux membres d'équipage qui retrouvera la dame et la fera revenir au bercail, au grand bonheur de tous.

Malheureusement, la pellicule de ce film de 1934 a subi divers sévices qui paraissent, lors du visionnement.  Mais qu'à cela ne tienne.  On est encore en mesure d'apprécier l'excellence de la réalisation de Jean Vigo.  Entre autre, cette image de la mariée, dans sa robe blanche, qui déambule sur la péniche est mythique.  C'est aussi l'occasion de découvrir la vie parisienne en 1934 (la seconde guerre mondiale n'était alors pas commencée!).

Côté acteurs, Dita Parlo est criante de vérité.  Jean Dasté et Michel Simon sont tous deux excellents.  Il faut dire que le film est ponctué de nombreuses disputes entre les divers personnages et le jeu des acteurs est à ce moment-là crucial pour bien montrer la portée dramatique de la situation.

Si vous n'avez pas encore vu ce film, je vous le recommande fortement.  C'est un "must"!