Reconnue pour être l'une des chorégraphes les plus marquantes du XX^e siècle, Pina Bausch est décédée ce mardi 30 juin, à l'âge de 68 ans, cinq jours après qu'on lui ait annoncé qu'elle souffrait d'un cancer. Deux semaines avant, la grande dame de la danse-théâtre était encore sur scène. Ce décès plonge la communauté culturelle dans le deuil, et pas seulement celle de la danse, car cette artiste originaire de la Ruhr a influencé toutes sortes de créateurs par la puissance de son œuvre.

Elle débute sa formation dans les années 50, dans l'école dirigée par Kurt Jooss, qui avait commencé à associer la danse et le théâtre dès les années 20. Elle part ensuite pour New York et la Juillard School  et revient en Allemagne en 1962. Elle a tout juste 33 ans quand, en 1973, elle se voit offrir la direction du Ballet de Wuppertal, qu'elle rebaptisera le Tanztheather de Wuppertal. Elle est alors la première danseuse de  formation moderne à pénétrer l'institution théâtrale allemande d'obédience très classique. La modernité et l'intensité dramatique de ses œuvres choquent, sa position est menacée mais elle tient bon. Il lui faudra attendre les années 80 pour obtenir une reconnaissance internationale qui partira de la France.

Dès 1976, Pina Bausch se détourne définitivement de la composition chorégraphique classique pour y aller de collages travaillés à partir d'improvisations mettant en valeur l'individualité de ses interprètes qui deviennent alors aussi créateurs. Creusant les thèmes de l'identité, du rapport homme-femme, du désir et du souvenir, elle crée des œuvres fortes dont la portée sociale et les figures archétypales ne laissent personne indifférent.

Elle est ici en photo dans une scène de Café Müller, l'une de ses pièces les plus marquantes (1978)

Interrogée en conférence de presse sur ses critères de choix pour la programmation danse du Festival des Arts de Saint-Sauveur (FASS), Anik Bissonnette, la directrice artistique de l'évènement, a déclaré que la danse classique était beaucoup plus accessible que la danse contemporaine. J'ai trouvé l'argument vaguement partisan, vu que la dame est une ex-danseuse étoile des Grands Ballets Canadiens de Montréal. Et puis j'y ai repensé et j'ai dû reconnaître qu'elle n'a pas tout à fait tort, même si toutes sortes de créations contemporaines sont aussi très accessibles.

Dans ma réflexion sur le sujet, je me suis rappelé que je suis moi-même entrée dans la danse par la porte du classique. J'avais sept ou huit ans et je bavais tellement d'envie devant les tutus de mes cousines que ma tante m'avait inscrite à leur cours. Je crois bien qu'à ce moment-là, la danseuse classique était pour moi une figure symbolique de la féminité et de la classe. La danseuse de flamenco de ma culture paternelle en était une autre, plus animale, plus lointaine et, d'une certaine façon, plus intimidante. Inutile de vous dire que mes références ont changé.

Quelles qu'en soient les couleurs, la danse m'ouvrait alors un espace infini de rêves à accomplir : enfant sensible issue d'un milieu modeste, j'y voyais le lieu où les inégalités sociales pouvaient être gommées et où l'indicible pouvait être exprimé. Et je me souviens de mon premier cours comme d'un rituel d'initiation où le sentiment d'être privilégiée se mêlait à la fierté de posséder enfin ces collants chaire qui faisaient de si belles jambes, ce justaucorps bleu que le petit volant de voile transparent rendait spectaculaire et ces demi-pointes roses qui prenaient figure de bottes de sept lieues.

Au fil des ans, j'admirais dans mes cours une élève talentueuse qui exécutait des adages et enchaînait plusieurs fouettés sur pointes avec le plus grand naturel, mais je m'interrogeais sur la nécessité de torturer ainsi le corps et je préférais la vitalité et l'allégresse des danses de caractère à la rigueur du classique et à ses sourires forcés. Cependant, comme pour toute jeune provinciale française des années 70 nourrie de culture populaire, en dehors des comédies musicales et des chorégraphies des émissions de variétés, ma seule fenêtre ouverte sur la danse était celle du classique. J'ai dû attendre l'adolescence pour découvrir le néoclassique amélioré de Maurice Béjart et prendre des cours de modern jazz. Et c'est pendant mes études universitaires qu'a eu lieu la rencontre avec la danse contemporaine (qui n'est pas la danse moderne). Ça a été le coup de foudre.  

Je vivais alors à Montpellier où j'ai assisté à la naissance de son célèbre festival de danse tandis que la danse contemporaine fleurissait dans toutes les grandes villes de France sous l'impulsion de politiques culturelles structurantes qui font rêver bien des artistes de par le monde. Dans cette cité méditerranéenne où Dominique Bagouet venait de se voir attribuer l'un des premiers centres chorégraphiques nationaux, j'ai vécu une fabuleuse initiation grâce à un ami éclairagiste qui me pourvoyait en invitations pour tous les spectacles. Carolyn Carlson (photo Laurent Philippe), Carlotta Ikeda, Jean-Claude Gallotta, Régine Chopinot, Merce Cunningham, Philippe Decouflé et le Nederland Dans Theatre font partie de ceux qui ont marqué ma mémoire.

Le hasard a voulu que je n'aie pas l'occasion de voir de ballet classique en scène dans cette période-là. Mon intérêt baissait d'ailleurs rapidement devant les retransmissions télévisée qui en étaient faites à l'époque. Et aujourd'hui, quand la conscience professionnelle me pousse à aller en voir un spectacle, je m'y ennuie généralement, même si j'y trouve un intérêt historique et anthropologique. Les territoires de la danse sont tellement riches de diversité que je me désole à l'idée que certains spectateurs ne s'offriront jamais la chance d'aller voir ce qui se fait en danse contemporaine.

En programmant Hélène Langevin, Naomi Stikeman et BJM_Danse avec des chorégraphies de Crystal Pite et Azure Barton, le FASS donne l'occasion de s'y frotter sans risque d'être dérouté. Ceux qui voudraient s'y essayer sans payer peuvent aller voir en plein air la proposition faite par la danseuse Francine Liboiron, le musicien Philippe Laloux et leurs invités ou tout simplement profiter du mois d'août pour passer quelques soirées au Théâtre de Verdure du parc Lafontaine. Si vous y allez, vous m'en donnerez des nouvelles.

Savez-vous que certaines techniques de composition musicale sont directement applicables à la composition chorégraphique? C'est là l'un des multiples aspects de la  fascinante relation danse-musique que la chorégraphe Danièle Desnoyers (photo Angelo Barsetti) nous invite à découvrir jusqu'au 18 juin à l'Espace Jean-Pierre Perreault de Circuit-Est centre chorégraphique.

En plus d'un stage professionnel animé par Matteo Fargion (compositeur enseignant la composition chorégraphique à P.A.R.T.S., la célèbre école d'Anne Teresa de Keersmaeker), le Séminaire Danse-Musique qu'elle a mis sur pied offre gratuitement au grand public des rencontres qui s'annoncent des plus passionnantes.

Le mardi 9, j'anime dès 19h une table ronde sur le sujet réunissant deux chorégraphes (Desnoyers et José Navas), deux compositeurs (Fargion et Louis Dufort) et le dramaturge Guy Cools, qui connaît sur le bout des doigts la nouvelle danse flamande, réputée pour son rapport privilégié à la musique.

Ensuite, trois soirées sont organisées pour présenter les collaborations des tandems Marie Chouinard/Louis Dufort (le 11 juin) et Lynda Gaudreau/Martin Tétreault (le 16 juin) et pour parler des expériences qu'Isabelle Van Grimde et Dominique Porte ont menées avec des grands ensembles (le 18 juin). C'est gratuit et ça débute à 19h.

Une occasion rare de rencontrer ces artistes et de se familiariser avec leurs démarches artistiques respectives. Plus d'infos ici.