En entrant dans la salle, les gens sont accueillis par un vidéo, du style qui est présenté avant la projection d’un film en salle de cinéma. On y retrouve des Réflexions, quiz et Saviez-vous que… sur le sujet de la mort dans des circonstances nébuleuses comme la mort de Brandon Lee sur le plateau de tournage du film The Crow, et sur le voyeurisme associé à la mort, comme le nombre de personnes qui ont regardé la mort en directe des jeux olympiques de Vancouver, ou l’exécution de Saddam Hussein. Une idée très originale pour nous faire patienter et nous plonger rapidement dans nos premières réflexions sur le sujet de la mort.

Cette pièce nous fait vraiment vivre une expérience théâtrale cinématographique. On a même droit à un générique en début de film... de pièce. Tout au long de cette histoire racontée dans le désordre, la fiction et réalité s’entremêlent. À l’aide de vidéos, on retourne en flash-back dans l’enfance ou les souvenirs des personnages. Le vidéo est également utilisé comme objet de décor pour représenter un endroit bien précis, par exemple le cimetière dont j’ai grandement apprécié l’originalité que les personnages avaient de se recueillir sur la tombe de leur ami. Mais le point culminant de l’utilisation du vidéo vient dans la présentation de l’hommage au défunt où on a vraiment le sentiment que nous sommes dans une téléréalité et où l’émotion est à son plus fort. La musique joue également un grand rôle dans cette œuvre et vient amplifier les situations critiques et renforcer les moments émouvants. La mise en scène très élaborée de cette pièce est digne de nos plus grands metteurs en scène. Un travail énorme de manipulation de décors et d’accessoires pour vraiment créer, à peu de frais, de façon très réaliste les divers environnements et les effets de flash-backs. Un succès indéniable! Chapeau pour cette mise en scène!

Naturellement les quatre comédiens sont criants de vérité dans leurs rôles respectifs. On sent vraiment l’amitié, la collaboration, le respect et l’admiration les uns envers les autres. Et pour donner encore plus de réalisme à toute cette histoire, Marie-Hélène Gendreau, qui joue le personnage qui attend un enfant, est elle-même enceinte. Matthew et Martin sont de vrais amis dans la vie et sont les cofondateurs de leur maison de production. Et les comédiens ont en partie conservé leurs propres noms dans l’histoire. Toutes ces similitudes entre la réalité de ces acteurs et la fiction de leur oeuvre, de même que la réalité dans l’histoire qui dépasse la fiction dans le court-métrage qu’ils filment, tout cela s’entremêle pour nous donner une expérience théâtrale exceptionnellement réaliste.

Ce que je trouve intéressant dans cette pièce, c’est de voir comment ces amis réagissent différemment suite à cet accident mortel. Il y a d’abord le sentiment de culpabilité qui les afflige tous. Par la suite, l’un d’eux se sentira responsable et voudra soutenir la jeune femme qui demeure seule avec la venue de son enfant. L’autre voudra que la mort de son ami serve à quelque chose et se demande s’il doit montrer ou non le film à tous. Et que dire que la jeune mère monoparentale, qui a peur de reconnaître les traits de son amoureux dans son enfant à venir. Des émotions très difficiles à montrer, cette histoire touche, mais également, fait rire par moment et surtout démontre la nature humaine, ses valeurs et ses travers.

Personnellement, cette pièce est un de mes coups de cœur de la saison 2009-2010. Une oeuvre à ne pas manquer!

 ABBA, c’est bien sur Agnetha Fältskog et Björn Ulvaeus,  Benny Andersson et Anni-Frid Lyngstad (Frida), deux couples qui ont uni leurs talents musicaux en 1970. Vingt ans après sa séparation, le groupe suédois continue de faire vibrer les gens par leur musique qui ne se démode pas.

Le spectacle hommage que nous offre ce groupe, reproduit fidèlement l’œuvre du quatuor légendaire ABBA. Grâce aux jeux d’éclairage, la boule disco, les costumes flamboyants des années 70, le public est plongé rapidement dans l’euphorie des années disco. Les quatre chanteurs qui personnifient ces deux couples réussissent à donner une bonne imitation et à ressembler à leurs idoles. Katie Galston, Lucy Thatcher, Dave Miles, Robert Arnall, font un excellent travail de reproduction d’un spectacle d’ABBA. Leurs voix sont sensiblement similaires à ceux du groupe original, mais parfois, j’avais l’impression que la musique était trop forte par rapport aux voix.

Entre les chansons, ce quatuor en profite pour interagir avec le public, pour les inciter à taper des mains, se lever pour danser et ils en profitent également pour se taquiner mutuellement, histoire de montrer qu’ils sont vraiment une vraie petite famille sur scène. La plupart des dialogues sont en anglais, mais ils tentent tous de nous démontrer qu’ils ont quelques connaissances en français, ce qui est bien apprécié du public.

Au niveau des costumes, les hommes sont tous vêtus de chemises rouges et vestons blancs. Pour les filles, ce sont des changements de costumes fréquents, entre le « jumpsuit » bleu, puis rouge, l’imperméable et chapeau noir, et ensuite la mini-jupe bleue, puis rouge et finalement un bel ensemble blanc pour terminer la soirée. Naturellement, les bottes hautes jusqu’aux genoux, à gros talons sont de mise, pour recréer l’effet de l’époque du disco.

En première partie, le groupe a débuté par le succès qui a fait connaître ABBA « Waterloo », suivi de « Ring Ring ». Par la suite, une de mes chansons préférées « Take a chance on me » a également entrainé les gens à taper des mains. Ensuite, ils ont enchainé avec « knowing me, knowing you » puis Katie a chanté en solo « SOS » où les gens ont pu brandir dans les airs un petit bâton lumineux qui leur a été remis sur leur table. Au tour de Lucy de chanter en solo avec « honey, honey ». Elles ont quitté la scène par la suite, pour laisser aux gars la chance de montrer leurs talents, avec une chanson plus rock, « does your mother know ». À ce moment, l’éclairage s’est transformé pour suivre le rythme de la musique. L’envol du spectacle est donné. Les filles reviennent pour chanter « name of the game » et « Chiquitita » que le public adore. Un moment fort, à mon avis, du spectacle est la version de « the winner takes it all » chanté par Katie seule accompagnée au piano par Rob. Une magnifique voix nous est révélée. Puis, la chanson que tous attendaient « Dancing Queen » nous ramène l’éclairage et la boule disco et tout le monde est debout pour chanter et danser. La première partie prend fin avec « Voulez vous » et « money money money ». Une première heure qui se termine sur le party.

La deuxième partie, qui ne dure que 45 minutes, démarre avec « I have a dream » puis la fête amorcée en première partie reprend de plus belle avec des chansons plus rock, plus endiablées comme « summer night city », « I do, I do, I do, I do, I do » « Gimme Gimme Gimme », « Mamma Mia » et « Fernando », qui est également une de mes chansons favorites. Il y a même un moment de pur délice, où les musiciens Dave Miles, Mark Stratton, Anthony Coote et James Crofts se donnent à fond dans des solos de guitare et de batterie très endiablés. Puis en rappel, un medley de toutes les chansons du spectacle est repris, pour terminer naturellement avec « Dancing Queen » en rappel. En tout, pas moins de 23 chansons du répertoire de ABBA nous ont été offertes pendant ce spectacle de plus près de deux heures.

Pour les amateurs d’ABBA (jeunes et moins jeunes) et ceux qui s’ennuient des années du disco, ce fut une soirée magnifique que le public a semblé bien apprécier.

 Tout d’abord, le fait de sortir de ce film durant la semaine de relâche a permis à plusieurs familles de terminer leur congé en beauté. Ainsi, plus d’une heure avant le début de la projection, les gens attendaient en file pour obtenir les meilleures places et les billets pour les représentations de la journée s’envolaient rapidement.

À mon avis, il est primordial de voir ce film sur écran IMAX afin de se sentir emporté par l’histoire et dans l’univers fantaisiste brillamment élaboré que seul Tim Burton peut nous créer. Les personnages imaginés sont drôles,  attachants et charmants. Tweedledee et Tweedledum déclenchent les rires à chacune de leurs apparitions. Le chat Chester nous surprend chaque fois qu’il se transforme. Il a sûrement des liens de parenté avec Garfield et le chat botté. Alice, jouée par la jeune actrice très crédible Mia Wasikowska, nuance bien son jeu pour nous montrer l’évolution de son personnage au fil de l’histoire. Et naturellement, celui qui retient toute l’attention est Le Chapelier fou, joué brillamment par Johnny Depp. Cet acteur fabuleux se réinvente à chaque nouveau personnage excentrique qu’il crée.

L’histoire débute à l’époque victorienne des années 1800 et on découvre un somptueux décor ainsi que les robes et costumes de ce temps. Puis rapidement, on se retrouve dans le monde merveilleux d’Alice, où cette fois, tout semble magique et fabuleux. Les décors et les accessoires attirent notre attention et le souci du détail rend cet univers très séduisant. On retrouve des fleurs magnifiques avec des visages qui parlent. Les animaux aussi communiquent par la parole et ont des vies comme les humains.

Tout comme le film Hook, où Peter Pan retournait à Neverland et ne semble pas se rappeler qu’il y était déjà allé, Alice revient dans ce pays qu’elle a toujours rêvé, sans se rappeler qu’il existe vraiment. Elle pense longtemps qu’elle va se réveiller et que tout cela n’est que son imagination qui lui joue des tours.  

L’action du film est soutenue, on retrouve quelques bêtes plutôt horribles, mais la plupart des enfants présents n’ont pas vraiment eu peur. On fait naturellement quelques sursauts, surtout qu’avec les lunettes en 3D, l’on a souvent l’impression de recevoir des objets par la tête.

Pour ma part, ce film se retrouve dans mon top 10 de mes meilleurs films de Disney. Mon fils adolescent a adoré son expérience aussi. Et, sa grand-mère a été agréablement surprise de se sentir ainsi happée par un conte.

Alors, Alice au pays des merveilles est décidément un film pour toute la famille et pour ceux qui ont conservé leur cœur d’enfant

Fantastique, Fureur, Férocité, Fantaisie, Fatalité. Cinq qualificatifs que je donnerais à ces cinq femmes et cette pièce magnifique. Elles qualifient leur groupe avec ces cinq points de focus : Féminité, fête, fenêtre, fantasme et finesse.

 Les Écornifleuses, ce sont cinq femmes finissantes en 2006 du Conservatoire d'art dramatique de Québec. L’an passé, après une première pièce d’Alan Ball, Cinq filles avec la même robe, qui en a séduit plusieurs, ces férues de théâtre et de défis reviennent cette année avec une première création, à la hauteur de leurs talents.

Écrite par la pétillante Édith Patenaude, mais imaginée par toute l’équipe, cette pièce amène le public dans un univers sombre, inquiétant, intriguant. On assiste à une mystérieuse histoire autour d’évènements survenus pendant les huit jours de vacances d’un groupe d’amis dans un chalet sur une île isolée…

Le lien avec Barbe Bleue du conte de Perreault est en fait bien mince. Ce sont les états d’âme, les émotions ressenties qui ramènent à cette créature et ses femmes. Le pouvoir de magnétisme qu’engendre ce mystérieux propriétaire de l’île et la certitude que ces femmes ont, qu’elles ne quitteront jamais cette île vivantes.

Une bonne dose d’inquiétude submerge le public à tout moment. Dès les premiers instants de la pièce, un climat de stupeur, d’angoisse et de terreur s’installe et rend les gens inconfortables sur leurs sièges. Il y a bien quelques moments drôles, des brides de dialogues qui font rires. Mais surtout, tout au long de l’histoire qui est racontée, sous forme de procès, dont chaque personnage se remémore les faits selon sa perception biaisée parfois par l’alcool et l’imaginaire créé par la paranoïa qui s’installe, le spectateur tente de reconstituer ce qui s’est passé, avec les brides de séquences d’évènements qui y sont recréées.

Une mise en scène digne des meilleurs thrillers, par Olivier Lépine, permet de vraiment renforcer les mots déboulés, défilés, répétés par tous les personnages. Sur un sol de terre, comme si on se retrouve dans les sous-bois, avec seulement quelques chaises et accessoires ici et là, les personnages sont constamment en mouvements. Onze personnes qui agissent, interagissent, se bousculent se questionnent, mais surtout qui racontent les faits, de façon à ce que le texte de chacun se chevauche, s’entrecroise, s’entremêle, se superpose pour créer un rythme, une musique, une ambiance surréelle. Une belle complicité et un vrai défi d’acteurs et de mise en scène.

Cette pièce plaira sûrement à ceux qui aiment bien les mystères, les suspenses, qu’on voit peu au théâtre. Et ceux qui ont été séduits par l'énergie des Écornifleuses (Valérie Marquis, Joanie Lehoux, Marie-Hélène Lalande, Laurie-Ève Gagnon et Édith Patenaude) dans Cinq filles avec la même robe seront à nouveau sous le joug de cette belle brochette d’acteurs passionnés, habiles et prêts à se salir, se bagarrer, s’engueuler, se mouiller pour une sublime performance de groupe.

J'ai vu, en grande première,le film Les 7 jours du Talion. C'est un thriller de tension extrême qui soulève la question de la vengeance lors d’un crime sordide. Martin Dubreuil déchire l’écran avec ses cris d’agonie, dans la peau de l’ignoble meurtrier. Claude Legault se trempe à fond dans son personnage de père éploré qui se noie dans la rage de sa vengeance.

Ce film mérite d'être vu par tous, car il apporte une série d'émotions et de questionnements très pertinents sur la vengeance, le deuil lors de crimes sordides et les peines associées à de tels crimes. J ’ai d’abord lu le livre, histoire de savoir à quoi m’attendre lors du visionnement du film et pour exorciser ma peur.

Au niveau de l’écriture du scénario, Patrick Senécal a fait un travail remarquable d’adaptation du livre pour le grand écran. Certains aspects ont été modifiés ou coupés au profit de l’histoire. Bien qu’on ne puisse pas lire dans les pensées de Bruno Hamel (Claude Legault), on réussit tout de même à suivre son état d’âme. On compati à sa douleur vive et l’on assiste impuissant à son déroutement au fil du temps. On en vient presque à prendre en pitié le meurtrier et à souhaiter qu’il soit épargné. Également, Podz (Daniel Grou), qui en est à sa première expérience en réalisation d’un film, a démontré une totale assurance et une habileté à faire ressortir les situations horribles ainsi que les moments de tortures pour les rendre extrêmement crédibles et réalistes. Au niveau sonore et de l’éclairage, contrairement à bien des films où ils en font trop, ici, tout est bien calibré pour qu’on y croit vraiment. Dès le début du film, on entre dans l’histoire, sans musique ni fla-fla. Et à la fin, on a droit à un générique silencieux. Un bon choix à mon avis, car on se doit de demeurer dans cet état quelque peu comateux à la sortie de la salle, pour bien digérer ce qu’on vient de vivre.

Au niveau des performances d’acteurs, il faut définitivement applaudir la véracité du jeu du bourreau, père de la fillette (Claude Legault) et du monstre meurtrier (Martin Dubreuil). Dès les premières images, où l’on aperçoit ce violeur d’enfants, on lui découvre un sourire juste assez baveux pour comprendre toute l’envie de vengeance du père de la fillette. Martin Dubreuil se met par la suite, littéralement à nu au profit de son personnage qui agonise. Ses cris m’ont résonné dans la tête longtemps après la fin du visionnement du film.

Pour sa part, Claude Legault, avait comme défi d’incarner un homme dont la carrière et la vie étaient basées sur l’aide à autrui et qui s’est transformée en vengeur obsédé de sa fillette. Comment parvenir à jouer un homme si calme et pacifique qui perd la carte? Claude Legault réussit cet exploit à merveille.

Rémy Girard aussi est excellent dans un rôle tout en retenue et plus effacé de l’inspecteur chargé de l’enquête, mais dont on sent une très grande douleur dans son deuil personnel.

Les 7 jours du talion est un film qui plaira sûrement aux admirateurs des livres de Patrick Senécal ou de thriller et de films d’horreur, mais il peut plaire aussi au public en général pour son intensité psychologique. Si c’est possible, ne lisez pas le livre avant de voir le film, cela augmente l’effet de surprise et de suspense. Et même, je suggère de lire le livre après, pour entrer plus loin dans la psychologie des personnages et voir les divers aspects qui n’ont pas été intégrés au film.

Pour avoir déjà vu Rita Lafontaine dans Bonbons Assortis et dans Encore une fois, si vous le permettez, j’ai éprouvé un réel plaisir à retrouver cette chère Nana, la mère de Michel Tremblay.

Lorsque le rideau se lève, Nana est au Paradis depuis plus de 40 ans. Elle nous entretient alors de ses impressions sur le paradis, qui ne ressemble pas du tout à ce qu’elle s’était fait raconter avant d’y aller. Elle ne se sent pas du tout assise à la droite du Père, mais plutôt coincée entre sa mère et sa belle-mère qui n’arrête pas de se picosser. Un vrai délice de l’entendre se plaindre du paradis! Elle en profite également pour se remémorer des anecdotes du temps de son vivant. Elle rend même un hommage à son fils Michel et sa pièce des Belles-Sœurs, (de 1968) lorsqu’elle apprend de son défunt mari qui vient la rejoindre au paradis, que son petit chouchou a du succès avec ses histoires. Pour l’occasion, des extraits audio de la pièce originale envahissent la salle, puis Nana nomme les artistes qui ont joué dans la pièce et qui se retrouvent maintenant avec elle au paradis.

Et que dire de ce décor paradisiaque. Rien de bien glamour dans ce dernier, mais bien original. Nana mentionne qu’au paradis les gens sont regroupés par famille et flottent chacun sur son nuage. Ainsi comme décor, on retrouve des chaises blanches, éparpillés partout, autant au sol que sur les murs, dans les airs. Chaque chaise est identifiée au nom du défunt à qui elle appartient. On y retrouve bien sûr Nana assise entre Victoire (sa belle-mère), et sa propre mère. Puis son mari Gabriel. Autour, on peut voir les noms des autres membres de la famille de Nana, ses connaissances, les acteurs qui ont joué dans les Belles Soeurs et même ses deux enfants morts à l’adolescence. Lorsqu’elle parle d’une de ses personnes, la lumière vient éclairer cette chaise, le temps de ce souvenir. Un décor simple et une mise en scène sobre, tout comme notre chère Nana.

Rita pour sa part, habillée comme Nana, avec une robe fleurie et son tablier, elle se promène pieds nus et, toute en douceur, elle nous raconte sa vie, ses pensées, ses appréhensions.

Le seul petit bémol que je peux avoir concernant une pièce aussi intime et en douceur, c’est que les gens dans le fond de la salle n’ont peut-être pas tous bien entendu le monologue de Nana. Avec une si grande salle et, n’ayant pas de micro, en parlant doucement, il fallait un silence parfait pour pouvoir tout bien comprendre.

Somme toute, Rita Lafontaine, la muse de Michel Tremblay, incarne Nana avec cœur, sensibilité et tendresse! 

Pour débuter le spectacle, le quatuor, tout de noir vêtu, y va d’un pot-pourri des citations de l’année, pour ensuite enchaîner avec divers sketchs, imitations, entrevues et discussions sur un peu tout ce qui s’est passé en actualité, mais surtout en politique au Québec, au Canada et même à l’internationale. Avec bien peu d’accessoires :  lutrins, table, chaise, drapeau… et divers items de costumes : manteaux, chapeaux, lunettes, perruques… les Zapartistes réussissent vraiment bien à nous remémorer les incongruités, les mauvais coups et les aberrances de nos politiciens et des divers évènements survenus dans l’année, que l’on a souvent tendance à oublier rapidement, malheureusement.

Les imitations de la plupart des personnes célèbres sont extrêmement bien réussies. Que ce soit Jean Charest, Stephen Harper, Columbo, Claude Dubois ou le commentateur à blue bonnets, François Parenteau frappe dans le mille avec ses imitations. Pas seulement dans les gestes, le ton, ou les mimiques, mais également dans l’accent, la voix pure et simple. Du vrai bonbon que de l’entendre. Christian Vanasse, pour sa part, bien qu’il maîtrise moins les voix, déborde d’énergie et de vigueur pour nous amener des performances remarquables et des gestuelles en plein dans le mille pour André Sauvé, Mario Dumont, Nicolas Sarkozy, Michael Ignatieff et P. K. Péladeau. Brigitte Poupart quant à elle, en met juste assez pour personnifier avec brio Monique Jérôme-Forget, Pauline Marois, Françoise David, Louise Harel, Michaëlle Jean et Paule Pelletier. Seul François Patenaude m’a quelque peu laissé sur ma faim. Il semble moins présent que les autres malgré une bonne personnification tout de même de Régis Labeaume et Amir Khadir.

Un spectacle très bien conçu, meilleur que la plupart des bye bye qu’on a vu au cours des dernières années. D’une durée de 2 h 30 sans compter l’entracte, ce spectacle passe en revue tous les évènements importants de l’année. De la pandémie AH1N1, à Tiger Woods, de la caisse de dépôt à la nouvelle chaine de Télé V, des élections municipales jusqu’au dérapage de la course à la chefferie de l’ADQ. Bref, un spectacle abrasif, percutant, désopilant, mais surtout qui porte à la réflexion. On se rend compte ainsi que la ville de Québec a fait parler d’elle presqu’autant que lors de son 400e. Que ce soit avec Régis Labeaume, le retour des Nordiques, la bataille sur les plaines, le moulin à parole et la radio poubelle, la ville de Québec a eu son lot de controverse et les gens dans la salle ont bien rigolé de voir Québec se faire comparer à une « p’tite grosse » et ont semblé se bidonner lorsque Régis Labeaume se transforme en Simon Proulx et entonne comme les Trois Accord, « dans mon corps de p’tite ville il y a des changements »

Plusieurs autres numéros ont été très appréciés du public. Parmi ceux-ci, je retiens surtout, la pertinence des questions de Columbo lors de son enquête sur la caisse de dépôt, aussi Claude Dubois qui chante ses déboires avec le vaccin sur la chanson Comme un million de gens. Et que dire d’André Sauvé qui nous parle de nos choix dans la vie, en comparant et mêlant tout avec une promenade en auto, pour en venir à nous dire que notre vrai choix ultime, revient tous les quatre ans.

Mes deux numéros préférés sont définitivement deux performances excellentes de François Parenteau. D’abord un Jean Charest plus vrai et plus détestable que nature. Puis, à un moment donné, François, qui n’en peut plus de jouer ce personnage, se transforme en Gerry Boulet pour chanter combien il est tanné d’y voir la face à Jean Charest… Sublime! Et finalement, avec la voix du commentateur de Blue Bonnets, François Parenteau nous défile et commente dans les deux langues, la dernière course à la chefferie de l’ADQ. Quel moment d’extase!

Un numéro qui m’a marqué aussi par sa justesse du propos fut lorsqu’un p’tit vieux d’un centre d’accueil se fait demander s’il apprécie les clowns envoyés par Charest. « Ils font bien rire les clowns, je n’ai rien contre eux. Mais si au moins ils venaient nous laver une fois par semaine, ou bien nous nourrir, ou changer nos couches ». Cela frappe fort et nous donne matière à réflexion.

On peut dire que cet un bel hommage à ce groupe Beau Dommage que l’on retrouve dans cet ouvrage. On y retrouve de superbes photos des membres du groupe, dès leurs jeunes âges jusqu’à aujourd’hui. M. Thérien a fait un travail de moine pour donner aux lecteurs toutes les informations exactes concernant le groupe, ses tournées, ses albums, sa formation et ses apparitions et même les critiques ou articles de journaux qui ont parlé d’eux. Mais il va même plus loin, en rappelant en détail le contexte de l’époque où cela se vivait. Par exemple, il nous parle de l’engouement pour les Beatles et Harmonium au moment où a été créé Beau dommage. On en apprend aussi un peu plus sur le contexte du spectacle un évènement d’octobre entourant la crise d’octobre. Il fait les liens entre les diverses personnes qui ont entouré le groupe, autant au niveau des artistes que des maisons de disques, des producteurs, réalisateurs et musiciens. On nous raconte aussi comment le groupe s’est formé, qui et comment ont été écrites les chansons, etc.  Il se trouve également en annexe la discographie complète du groupe, la liste des 64 pièces distinctes que le groupe a écrites. 

Le livre en lui-même est très beau. Une couverture rigide, des pages épaisses, un vrai livre de collection. Cette biographie du groupe s’offre bien en cadeau aux nostalgiques de l’époque des années 70 et aux grands admirateurs des membres de ce groupe ou de ces individus. Il faut mentionner que cet ouvrage, contrairement à plusieurs biographies d’artistes, ne contient pas de potins ou d’anecdotes personnelles de ces musiciens. C’est une biographie d’un groupe et non des individus. À chérir pour les vrais fans de musique et de Beau Dommage.

En terminant la lecture de cette œuvre, on n’a qu’une seule idée, écouter les plus grands succès de ce groupe légendaire québécois dont on peut être très fier, et espérer que Beau Dommage récidivent pour nous présenter un nouvel album… On peut rêver. En attendant, on pourra encore se tremper dans la nostalgie, puisqu’en mars 2010 une comédie musicale, Le blues de la métropole prendra l’affiche au Théâtre St-Denis, où l’on retrouvera 29 chansons de Beau Dommage et dont l’histoire se passera à Montréal dans les années 70.